复制与形塑的意义

　　第二层展厅展出了艾丽卡·鲍姆(Erica Baum)、艾琳·史瑞夫(Erin Shirreff)、萨拉· 范德比克(Sara VanDerBeek) 与丽萨·奥本海姆(Lisa Oppenheim)的作品。与第一层展厅探讨图像流通性的主旨不同，第二层的作品呈现出更多的个人化与诗学化。鲍姆的人类学背景让她的作品带有谱系学和书卷气质，《皮克顿天花板白花瓣美洲豹正方形啁啾声》(Picton Ceiling White Petals Leopard Square Chatter)完全打破了摄影的平面属性，用不同厚度的四幅交叠图片构置出一个诗性叙事的图片装置。艺术家用六个毫无联系的名词作为作品名，实际上是给出了一个读图线索，这些看似跳跃的思维路标打开了观者通向阅读图像的趣味空间，令人萦怀难忘。

　　与展厅一层的休伊特一样，史瑞夫也曾是耶鲁大学雕塑系的硕士。但与前者作品不同的是，史瑞夫直接使用照片塑造空间中实在的形体。在作品《A.P.》系列中，她将两幅摄影图片直接拼接成一个立体的极简主义“雕塑”，让人很容易联想到安东尼·卡洛 (Anthony Caro)或托尼·史密斯(Tony Smith)的雕塑作品，而全然忽略作品是两幅照片的事实。相对而言，范德比克与休伊特的创作语言更为相似，二者同样使用预先制作好的装置作品，继而将其拍摄为照片。与后者相比，范德比克的作品在现实环境中更趋近于照片而非雕塑，因为其图像性明显多过带给观者的物质性感受。

　　奥本海姆的作品与前述几人相比缺乏形式上的突破，但其着眼点在于探讨摄影的观念性。艺术家的符号学背景使其专注于视觉元素的符号转换，预设可解读的元素挪用，从而生成意义丰富的图像作品。